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Subjects Arts and Architecture Music

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Australian Chamber Music with Piano

Authors:
ISBN: 9781921862410 Year: Language: English
Publisher: ANU Press
Subject: History --- Music
License: ANU Press

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Abstract

This book represents the first critical survey of a section of a rich Australian corpus of chamber music. The author has included various instrumental combinations with piano as well as vocal music with piano. The survey is chronological, as well as by composer. An appendix to the work provides source material for future research into this area. The research has concentrated on progressive modernist music by Australian composers. The commentary utilises the author’s rich experience as composer, pianist and educator.

Keywords

Chamber music --- Music --- History --- Australia

Eduard Hanslick

Authors:
ISBN: 9783205787365 Year: Pages: 610 Seiten Language: de
Publisher: Böhlau
Subject: Music
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Abstract

The present seventh volume of the new historical-critical complete edition of Eduard Hanslick's works contains texts of the years 1864 to 1865, which are for the most part contributions from the Vienna "Presse" and the "Neue Freie Presse", which Hanslick changed to when it was founded in 1864. In terms of content the texts offer a wide range. Apart from topical reviews there are basic essays on musical aesthetics, thoughts on the Italian opera in Vienna, historico-cultural accounts as well as basic reflections about the concert life in Vienna at that time. In particular Hanslick's research on the history of music in Vienna, which leads to "Geschichte des Concertwesens in Wien" published by Wilhelm Braumüller in 1869, shows in various single essays and a huge coherent series in "Oesterreichische Revue".Some articles were published shortly after in national music journals such as the "Niederrheinische Musik-Zeitung" or the Berlin music journal "Echo". Later Hanslick revised some of them for his well-known anthologies ("Die moderne Oper", "Aus dem Concertsaal. Geschichte des Concertwesens in Wien, II"). As before these texts were provided with lists of readings, which are printed subsequent to the respective article. The principles of publication did not change. Minor variations are: different spelling, change from spaced writing to normal distance of characters or vice versa, slight modifications of the wording, updating or additions. Major changes mainly consist in leaving out large parts of the text or rearranging text passages from different sources regarding particular subjects. The basic change in Hanslick's occupation as a critic that is his stronger attention to reviewing the performance, - as can be seen from the 1860s in particular - cannot be substantiated so well by his own editions, because he often left out parts related to the concert. From that point of view this edition not only provides a better overview of the Vienna concert life in these years than Hanslick's own edition but it also notes down in a much more precise way his changed approach to writing. Most of the texts, however, are completely unknown today. The essay in the comment part deals with Hanslick's change to the "Neue Freie Presse" and the importance of the latter for the circle of its authors.As before the notes characterize every single text briefly and analyse them according to their aesthetic relevance. The volume ends with a scientific apparatus (list of emended printing errors, list of abbreviations, bibliography and index of names).

Der vorliegende siebte Band der neuen historisch-kritischen Gesamtausgabe der Schriften von Eduard Hanslick enthält Texte der Jahre 1864 bis 1865. Es sind überwiegend Beiträge aus der Wiener "Presse" und der "Neuen Freien Presse", zu der Hanslick mit der Gründung im Jahr 1864 wechselte. Inhaltlich sind die Texte weit gestreut. Neben Tageskritiken stehen grundsätzliche musikästhetische Essays, Gedanken zur italienischen Oper in Wien, kulturhistorische Darstellungen, aber auch grundsätzliche Reflexionen zum aktuellen Wiener Konzertleben. Insbesondere seine Forschungen zur Wiener Musikgeschichte, die zu der 1869 bei Wilhelm Braumüller erschienenen "Geschichte des Concertwesens in Wien" führen, sind in dieser Zeit mit verschiedenen Einzelessays und einer großen zusammenhängenden Reihe in der "Oesterreichischen Revue" dokumentiert.Manche Artikel erschienen kurz darauf in überregionalen Musikzeitschriften wie der "Niederrheinischen Musik-Zeitung" oder der Berliner Musikzeitung "Echo". Einen Teil überarbeitete Hanslick später für seine bekannten Sammelbände ("Die moderne Oper", "Aus dem Concertsaal. Geschichte des Concertwesens in Wien, II"). Für diese Texte wurden wie bisher Lesartenverzeichnisse erstellt, die im Anschluss an die jeweiligen Zeitungsartikel abgedruckt sind. Die Editionsprinzipien blieben gleich. Geringfügigere Varianten sind: andere Schreibweise, Wechsel von Sperrdruck zu normalem Zeichenabstand oder umgekehrt, kleinere Formulierungsänderungen, Aktualisierungen oder Hinzufügungen. Gravierende Änderungen bestehen hauptsächlich im Wegfall großer Textpartien oder der Neumontage von Textpassagen aus verschiedenen Quellen zu bestimmten Themen. Die grundsätzliche Änderung in Hanslicks Kritikertätigkeit, wie sie gerade ab den 1860-er Jahren festzustellen ist, nämlich seine stärkere Zuwendung zur Leistungskritik, kann man an seinen eigenen Editionen nicht so gut belegen, weil er oft aufführungsbezogene Teile weggelassen hat. Insofern gibt diese Ausgabe nicht nur einen besseren Überblick über das Wiener Konzertleben dieser Jahre als Hanslicks eigene Edition, sondern verzeichnet viel genauer seine geänderte Schreibhaltung. Die meisten Texte jedoch sind heute gänzlich unbekannt.Der Essay im Kommentarteil beschäftigt sich mit Hanslicks Wechsel zur "Neuen Freien Presse", ihrer Bedeutung im Umfeld ihrer Autoren. Die Erläuterungen kommentieren wie bisher die einzelnen Texte knapp und befragen sie auf ihre ästhetische Relevanz hin.Der Band schließt mit einem wissenschaftlichen Apparat (Verzeichnis der emendierten Druckfehler, Abkürzungsverzeichnis, Literaturverzeichnis und Personenindex).

Elektrische Klangmaschinen

Authors:
ISBN: 9783205775935 Year: Pages: 348 Seiten Language: de
Publisher: Böhlau
Subject: Music
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Abstract

The publication deals with the time of pioneers in building "electrical musical instruments" in German speaking countries. It is based on a research project funded by the Austrian National Bank's "Jubilaeumsfonds" (project number 9382), where the popularisation of these instruments was in focus. Starting with the first attempts the development in the respective region is examined for the time between 1920 and 1945 using carefully investigated documents. After a short description of the roots going back to the 19th century the documentation continues with a critical evaluation of the constructions and their presentation in the 1920ties (especially Joerg Mager and Lev Termen and the reaction of experts and the public). Electro-optic and electromagnetic sound generation was invented in that time as well but appeared later on. There are examples for both principles in Austria and Germany reaching back to the 1920ties. A representative survey of press reports show the different estimations of the usability of electrical musical instruments by technicians, musicians and the public. The following decade is treated in several parts due to the political development in Germany. The first two years are mainly marked by the invention of the Trautonium, the Neo-Bechstein-piano, the Elektrochord and the Hellertion. This was the time when Berlin turned out as a centre for "electrical music", especially by activities of the "Rundfunkversuchsstelle" (radio research institute) at the University of Music and the Heinrich-Hertz-Institute. The first major public presentations at the Berlin Radio Shows took place in this time as well. After the year 1933 not only the political situation changed but the cultural preconditions for the usage of electrical instruments as well. The political convergence with the NS regime and the goodwill of the "ministry of public enlightenment and propaganda" played an important role. It turned out by the following development that the Trautonium, the electric organs by Vierling and the Hellertion by Bruno Helberger were used for official occasions. Vierling's "Grosstonorgel" was used during the Olympic games, on the other hand the development of Edwin Welte's light-tone organ was stopped for he was married with a Jewish woman. The work of Oskar Sala plays an important role in the area of conflict between technology, politics and music. As no detailed documentation of the work of Joerg Mager (who claimed to be the leading person in electro-music research) is available till now, this will be discussed in a separate chapter. A short description of the consequences after 1945 is followed by a detailed appendix: data of concerts, sound recordings, technical documentations and more than 600 patents. The book is based on extensive and original material, as it turned out by studying of secondary literature that many details are based on not provable sources. The facts are carefully documented using footnotes, the book is meant as a fundamental collection of sources for further scientific research.

Die Publikation handelt von der Pionierzeit der "elektrischen Instrumente" im deutschsprachigen Raum. Sie beruht im Wesentlichen auf einem Forschungsauftrag des Jubiläumsfonds der Österreichischen Nationalbank (Projekt Nr. 9382), bei dem vor allem die Popularisierung dieser Instrumente im Vordergrund stand. Von den ersten Versuchen ausgehend, wird anhand von sorgfältig recherchierten Originaldokumenten die Entwicklung im untersuchten geographischen Raum vorzugsweise im Zeitintervall von 1920 bis 1945 behandelt. Nach einer kurzen Darstellung der ins 19. Jh. zurückreichenden Wurzeln beginnt die Untersuchung mit einer kritischen Wertung der Konstruktionen und deren Präsentation in den 1920er Jahren (insbesondere Jörg Mager, Lev Termen und den Reaktionen der Fachwelt und der Öffentlichkeit). Dazu kommen Konstruktionen, die zwar in dieser Zeit entstanden, jedoch erst später in Erscheinung traten: die elektro-optische und elektromagnetische Tonerzeugung. Für beide Prinzipien gibt es Beispiele in Österreich und Deutschland, die in die 1920er Jahre zurückreichen. Eine repräsentative Presseschau zeigt die unterschiedliche Auffassung der Verwertbarkeit der elektrischen Instrumente vom Standpunkt der Techniker, der Musiker und der Öffentlichkeit. Das folgende Jahrzehnt wird der politischen Entwicklung wegen in mehreren Teilen behandelt. Die ersten zwei Jahre waren vor allem von der Erfindung des Trautoniums, des Neo-Bechstein-Flügels, des Elektrochords und des Hellertions geprägt. In dieser Zeit entwickelte sich Berlin (insbesondere durch das Heinrich Hertz Institut und die Rundfunkversuchsstelle) zu einem Zentrum der "elektrischen Musik". Auch die ersten großen öffentlichen Präsentationen auf den Berliner Funkausstellungen fanden 1931 und 1932 statt. Nach 1933 veränderte sich jedoch nicht nur die politische Lage, sondern auch die kulturpolitischen Voraussetzungen für die Verwendung elektrischer Instrumente. Die politische Nähe zum NS Regime und das Wohlwollen des Propagandaministeriums spielten eine wesentliche Rolle. Die Entwicklung zeigte, dass das Trautonium, die Orgelkonstruktionen von Oskar Vierling und das Hellertion Bruno Helbergers im offiziellen Musikbetrieb weiter verwendet wurden. Vierlings "Großtonorgel" wurde bei offiziellen Anlässen eingesetzt, hingegen wurde die Entwicklung der Lichttonorgel Edwin Weltes gestoppt, weil er mit einer Jüdin verheiratet war. Oskar Salas Arbeit spielt im Spannungsfeld zwischen Technik, Politik und Musik eine wichtige Rolle. Nachdem bislang keine ausführliche Dokumentation der Arbeit Jörg Magers (der für sich eine besondere Rolle in Anspruch nahm) verfügbar war, ist diesem Thema ein eigenes Kapitel gewidmet. Einer kurzen Darstellung der Folgewirkungen nach 1945 folgt ein ausführlicher Anhang, der das ermittelte Material offenlegt: Aufführungsdaten, Tondokumente, technische Dokumentationen und über 600 Patente werden aufgelistet. Die Arbeit beruht auf umfangreichem Originalmaterial, da es sich beim Studium der Sekundärliteratur zeigte, dass viele Details auf nicht weiter nachvollziehbaren Quellen beruhen. Die Fakten sind sorgfältig in Fußnoten dokumentiert, das Buch versteht sich daher auch als grundlegende Quellensammlung für weiterführende wissenschaftliche Arbeit.

European Voices II

Authors:
ISBN: 9783205787372 Year: Pages: 492 Seiten Language: English
Publisher: Böhlau
Subject: Psychology --- Linguistics --- Music
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Abstract

Although the fundamental meaning of basic terminology is well established for every scholarly discipline, many concepts are often questioned and redefined. In the case of ethnomusicology, this process is all too familiar, as researchers within the discipline focus on the most diverse of music cultures. The manifold worldviews of the resource persons, as holders and presenters (in both meanings of the word) of a tradition make the matter more complex. Such a situation has particular significance in the context of multipart singing because of the specific musical aesthetics and vocabularies established among singing groups. Additionally, it is accentuated by processes of change within every musical culture and those of ethnomusicology.Examining this question from the viewpoint of folk terminology means primarily considering specific and individual concepts of cultural listening, in the sense of 'paying attention', 'con-centrating' and 'focusing on'. These concepts are established on the one hand through the processes of music listening and music making and on the other hand through the local dis-course, in which singers and musicians as well as local communities are very much involved. The discourse as a communication category with which people communicate about the claim to validity of rules also plays an important role in processes of legitimating and power within the community. An essential part of the discourse is singing itself. The music therefore becomes the object and subject of research. Of particular relevance in this framework are questions of gender, applying to communities in which women practice multipart singing and others where they are mostly listeners, although contributing decisively in the discourse processes.A specific role become issues of brain research. In this context the functionality of an exact motor control system within the body for precise timing, sequencing and the spatial organisation of movements during musical performance become particularly important. Performing and listening to music are culturally conditioned, but they are at the same time natural human abilities. Therefore the study of underlying processes is crucial and promises to uncover fun-damental properties of the human brain.The different theoretical viewpoints in the first three chapters of the book are followed by ap-proaches of a "Lexicon of Local Terminology on Multipart Singing in Europe". These reflect the situation of a few but different communities and areas in Europe, helping to obtain additional insights into the topics in question.

Die grundlegende Bedeutung der Terminologie steht für jede Wissenschaft zwar außer Streit, viele Termini werden aber oft in Frage gestellt und immer wieder neu definiert. In der Ethnomusikologie ist dieser Vorgang eine all zu bekannte Erscheinung, beschäftigen sich doch die Forscher dieser Disziplin mit unterschiedlichsten Musikkulturen. Die mannigfaltigen Weltanschauungen der Gewährspersonen, die gleichzeitig Träger und Darsteller (im doppelten Sinn des Wortes) der jeweiligen Tradition sind, machen die Frage noch komplexer. Dieser Zustand nimmt in Fragen vokaler Mehrstimmigkeit eine besondere Stellung ein, auf Grund der eigenen musikalischen Ästhetik und des eigenen Vokabulars, die sich unter Sängergruppen etabliert haben. Er wird zusätzlich durch Änderungsprozesse in jeder Musikkultur und jene in der Ethnomusikologie betont.Diese Frage vom Blickwinkel der Volksterminologie zu erkunden, erfordert zuerst spezifische und individuelle Konzepte des kulturellen Hörens im Sinne von ‚Aufmerksamkeit schenken', ‚sich konzentrieren auf' und ‚Aufmerksamkeit ausrichten auf' in die Untersuchungen mit einzubeziehen. Diese Konzepte sind einerseits durch Prozesse des Musikhörens and Musikmachens, andererseits durch den lokalen Diskurs, in dem Volkssänger- und -musikanten, wie auch die jeweilige lokale Gemeinschaft mitwirken, etabliert.Der Diskurs als jene Art der Kommunikation, durch die sich Personen über den Geltungsanspruch von Normen verständigen spielt eine wichtige Rolle in den Prozessen von Legitimation und Macht innerhalb einer Gemeinschaft. Ein wesentlicher Teil des Diskurses ist das Singen selbst. Die Musik wird daher Objekt und Subjekt der Untersuchungen. Von besonderer Bedeutung sind in diesem Zusammenhang Gender-Fragen. Sie betreffen Gemeinschaften in denen Frauen aktiv in der Praxis der vokalen Mehrstimmigkeit teilnehmen sowie andere, in denen sie vor allem Zuhörerinnen sind, trotzdem aber eine entscheidende Rolle in den Diskurs-Prozessen spielen.Eine spezifische Rolle kommt Fragen der Hirnforschung zu. Besonders wichtig in diesem Zusammenhang ist die Funktionalität eines exakten motorischen Kontrollsystems innerhalb des Körpers für die präzise Zeitmessung, die Sequenzbildung und die Raumorganisation der Bewegungen während der musikalischen Interpretation. Musikinterpretation und -hören sind kulturell bedingt, aber sie sind gleichzeitig natürliche menschliche Fähigkeiten. Die Untersuchung der zugrunde liegenden Prozesse ist daher entscheidend und verspricht die Entdeckung grundlegender Merkmale des menschlichen Gehirns.Die unterschiedlichen theoretischen Blickwinkeln in den drei ersten Kapitel des Buches werden von Annäherungen an ein "Lexikon der lokalen Terminologie zur vokalen Mehrstimmigkeit in Europa" gefolgt. Diese widerspiegeln die Situation weniger aber unterschiedlicher Gemeinschaften und Regionen in Europa und helfen zusätzliche Einsichten zu den gestellten Fragen zu gewinnen.

De fiere nachtegaal : Het Nederlandse lied in de middeleeuwen

Authors: ---
ISBN: 9789089640215 Year: Pages: 376
Publisher: Amsterdam University Press
Subject: Languages and Literatures --- Music --- History
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Abstract

The Proud Nightingale covers the many facets of medieval music in the Netherlands until the year 1600. Eighteen authors discuss songs ranging from of courtly songs, including minstrels, mystics and Modern Devots, on the performance and the oral tradition of ancient songs, and on intertextuality. What is new is the use of ethnological perspective by a number of the authors. This book is a collection of songs: messages from loved ones to joyous songs sung by groups at home and in the pub, or by farmers and servants whilst weeding, mowing and harvesting. At the same time religious melodies convey their desire for God or their distaste of the world.

De fiere nachtegaal brengt boodschappen van geliefden over in liederen gezongen door vrolijke gezelschappen thuis en in de kroeg, of door boeren en knechten onder het wieden, maaien en binnenhalen van de oogst. Op dezelfde melodieën bezingen religieuzen hun verlangen naar God of hun afkeer van de wereld. De fiere nachtegaal bestrijkt de vele facetten van het middeleeuwse lied in de Nederlanden tot aan het jaar 1600. Achttien auteurs buigen zich over de liederen van onder meer hoofse minnezangers, mystici en Moderne Devoten, over de performance en de mondelinge overlevering van oude liederen, over intertekstualiteit en contrafactuur. Nieuw is het etnologisch perspectief dat een aantal auteurs hanteert.

Der Filmkomponist Max Steiner (1888-1971)

Authors:
ISBN: 9783205788010 Year: Pages: 302 Seiten Language: de
Publisher: Böhlau
Subject: History --- Music
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Abstract

This is the first monograph about the Austro-American Composer Max Steiner (1888-1971), one of the great pioneers of film music in the so-called Golden Age of Hollywood. In the early 1930ies with his visionary energy he helped to establish symphonic film music as an integrated part in the film production process. In contrary to many of his colleagues, Mr. Steiner had devoted himself completely to film music. Therefore the preoccupation with Max Steiner's music gives a very valuable insight into the craft of film composing. Supported by many quotes and music examples, the first part of this monograph shows how Mr. Steiner wrote his film music. From the first viewing and the spotting session to the final exact timing of the cues, the whole creative and technical process of his film composing is demonstrated. The music of Max Steiner has a couple of quasi formulaic elements: the regular use of leitmotifs, quotations from his own music and the accurate synchronisation of screen action and music cues (with its extreme form, the so-called mickey mousing). The principles of the subjective use of harmonies as well as the technique of instrumentation are shown. The reader will also learn about the special relationship between composer and orchestrator. This distinctive form of collaboration was typical for the Hollywood cinema of the 30ies and 40ies of the 20th century, the so called Golden Age and still is today. Because the studios wanted to save the precious time of their employed composers, they wanted them to write their music on sketch paper with two to four staves, with the themes, voice leadings, harmonies and basic requirements of instrumentation. Then the orchestrator had to transform this into a complete score. Throughout his whole career, Mr. Steiner had been working with three orchestrators. This collaboration reached such an intuitive level, that is was sufficient that Max Steiner wrote only rudimentary musical information. When these sketches had been transformed into scores, Steiner conducted the studio orchestra, where he normally used the click. The second part of the book is based to a big extent on Steiner's yet unpublished autobiography. Born at the end of the 19th century in Vienna, Max Steiner was considered a musical wunderkind. His father as well as his grandfather before him was a famous theatre impresario. One of his teachers was Gustav Mahler. Steiner's first career as composer, arranger and conductor of operettas and musicals led him from Vienna to London and New York and lasted about 30 years. Then, in 1929, he got a call from Hollywood where he fulfilled his determination as dean of film music (Bette Davis). In the 50ies, when the symphonic film music lost its acceptance also Max Steiner's amount of work decreased. In 1965 he wrote his last of more than 300 scores. With the help of original documents from the archive of Warner Bros., such as memos, letters or billings the reader will get a three dimensional insight not only about how the movie Casablanca was made but on the mechanisms of the movie industry as a whole. Parts of the original sketches and the score of the music for Casablanca have been carefully transformed into a piano reduction to demonstrate even more clearly the efficient use of his skills and the yet highly artistic approach of Mr. Steiner Furthermore an example of this film music is compared to an excerpt of Richard Wagner's Ring des Nibelungen. There the reader will see how film music was not only inspired by but precisely obtained musical tools from the late romantic music theatre. Or, in Max Steiner's own words: "If Wagner would have lived in this century, he would be the number one film composer". Max Steiner is an outstanding protagonist of a generation of European immigrants who formed the cultural life in the USA. He is an important link between his native city Vienna and his new homeland America and through composers such as Steiner the tradition of the late European romantic music still lives in the film music of Howard Shore or John Williams.

Dies ist die erste Monographie über den austro-amerikanischen Komponisten Max Steiner (1888-1971), einen der großen Pioniere der Filmmusik des so genannten Goldenen Zeitalters Hollywoods. Es ist Max Steiners Verdienst, in den frühen 1930ern die sinfonische Filmmusik als gleichberechtigten und dramaturgisch unerlässlichen Bestandteil im Produktionsprozess der Filmindustrie Hollywoods durchgesetzt und etabliert zu haben. Steiner hat sich, im Gegensatz zu vielen seiner Kollegen, gänzlich der Filmmusik verschrieben. Daher verschafft einem die Beschäftigung mit Max Steiner einen guten Einblick, wie Filmmusik wirklich funktioniert. Unterstützt von vielen Zitaten und Notenbeispielen wird im ersten Teil der Monographie gezeigt, wie Max Steiner seine Filmmusik geschrieben hat. Dies beginnt bei der ersten Annäherung an den fertig geschnittenen Film, der schrittweisen Einteilung des Filmes und dem Festsetzen der cues. Max Steiners Musik beinhaltet verschiedene gleichsam formulaische Gestaltungsmerkmale: umfassender Gebrauch von Leitmotiven, häufiges Zitieren eigener Musik, punktgenaues Synchronisieren von Leinwandaktion und Musik, bis hin zum so genannten Mickey Mousing. Der subjektive Gebrauch der Harmonien und die Grundprinzipien der Instrumentierung werden erläutert, sowie die für die Filmmusik auch heute noch typische Kooperation zwischen Komponist und Orchestrator, bei welcher die Komponisten nur die wichtigsten musikalischen Informationen in zwei- bis vierzeilige Notensysteme schreiben, und die Orchestrator dies dann in fertige Partituren ausarbeiten. Während seiner gesamten Karriere arbeitete Steiner lediglich mit drei Orchestrierern. Diese Zusammenarbeit erreichte ein sehr hohes intuitives Niveau, so dass Steiner oftmals nur noch rudimentäre Angaben in seinen Skizzen gemacht hat. Seine Filmmusiken dirigierte er stets selbst, wobei er nach eigenen Angaben fast immer mit Klick arbeitete. Der biographische Teil stützt sich im Wesentlichen auf die bisher unveröffentlichte Autobiographie Max Steiners. Steiner, geboren im Wien des ausgehenden 19. Jahrhunderts, war nach heutigen Vorstellungen ein musikalisches Wunderkind. Sein Vater war, ebenso wie bereits sein Großvater, ein wichtiger Theaterimpresario. Einer seiner Lehrer war Gustav Mahler. Steiners erste Karriere als Komponist, Arrangeur und Dirigent von Operetten und Musicals dauerte an die dreißig Jahre und umfasste die Stationen Wien, London und New York, bevor ihn 1929 der Ruf nach Hollywood ereilte, wo sich seine Bestimmung als Dean of Film Music (Bette Davis) erfüllen sollte. In den fünfziger Jahren, als die Bedeutung der sinfonischen Filmmusik im Allgemeinen abzunehmen begann, verblasste auch langsam Steiners Stern. 1965 schrieb er die letzte von über 300 Filmmusiken. Im dritten Teil wird zum einen mit Hilfe von Originaldokumenten wie Memos oder Briefen und Abrechnungen die genaue Entstehungsgeschichte des Filmes Casablanca nachgezeichnet. Der Leser bekommt zudem aus erster Hand einen Einblick in die Mechanismen der Filmindustrie. Zum anderen wurden Teile der Originalskizzen Steiners sowie der fertigen Partitur zu dieser Filmmusik vom Autor dieses Buches in Klavierauszüge umgewandelt, um so anschaulich zu dokumentieren, wie ökonomisch und dennoch musikalisch stimmig und kunstvoll Max Steiner gearbeitet hat. Darüber hinaus wird durch einen Vergleich einer Passage dieser Filmmusik mit Auszügen aus Wagners Ring des Nibelungen dem Leser veranschaulicht, wie sehr die Filmmusik nicht nur ihre Inspiration, sondern ganz konkrete kompositorische Prinzipien vom spätromantischen Musiktheater übernommen hat. Oder, wie Steiner es einmal ausdrückte: "If Wagner would have lived in this century, he would be the number one film composer". Max Steiner ist einer der herausragenden Protagonisten einer Generation von europäischen Einwanderern, die das kulturelle Leben der USA nachhaltig geprägt haben. Er ist ein wichtiges Bindeglied zwischen seiner Geburtsstadt Wien und seiner neuen Heimat Amerika. Nicht zuletzt durch ihn lebt die Tradition der europäischen Spätromantik bis heute in der Kinomusik etwa eines Howard Shore oder John Williams weiter.

The Flowering Thorn

Authors:
ISBN: 9780874215687 Year:
Publisher: Utah State University, University Libraries
Subject: Music
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Abstract

The flowering thorn expresses the dual nature of the ballad: at once a distinctive expression of European tradition, but also somewhat tricky to approach from a scholarly perspective, requiring a range of disciplines to illuminate its rich composition. Most of this latter quality has to do with the very features that characterize ballads... or narrative songs. These include an appearance of fragmentation; a wide range of cultural and social referents; complex, evocative symbolic language; and variation. The notable multiformity of meaning, text and tune is mirrored in scholarship, too. The Flowering Thorn is therefore wide ranging, with articles written by world authorities from the fields of folklore, history, literature, and ethnology, employing a variety of methodologies

Keywords

Geschichte der italienischen Literatur in Österreich

Authors:
ISBN: 9783205787303 Year: Pages: 778 Seiten Language: de
Publisher: Böhlau
Subject: Music --- Languages and Literatures
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Abstract

Towards the end of the 20th century the Italian literature created outside Italy finally started to receive proper attention, because research began to focus on the socio-cultural analysis of the different forms of internal and external postcolonialism. As a result, both imperialism and nationalism are seen as responsible for phenomena of cultural alienation in many territories outside as well as inside the national borders of the country and are exposed as ideological constructs. Nevertheless research still neglects the one undoubtedly outstanding region in the production of Italian literature outside Italy, i.e. Austria, more precisely the territories of the Habsburg Monarchy, where for nearly 500 years - from early Humanism to the First World War - the tradition was the richest in quantity as well as in quality. This first part of a comprehensive history of the Italian literature created in Austria for an Austrian public has been written with the intention of filling this gap.The unique position the Italian language held at Vienna's imperial court at least from the middle of the 17th to the middle of the 18th century is well known: Italian was not only an official language for the purpose of representation, it also served as a vehicle of cultural communication in the inner circle of the imperial family. The numerous political connections between the House of Habsburg and the ruling Italian dynasties are a major reason for the manifold cultural transfers between the Austrian territories and the Italian States. The great number of strategic marriages led to intense cultural as well as economical relations, which obviously did result in occasional implications in territorial conflicts and in military alliances not always favorable to the mutual understanding.As a consequence of the above mentioned economical and dynastical connections the Habsburgs often intervened politically in Italy, first in the Early Modern Period, especially during the reigns of Charles V and Ferdinand I. Two centuries later, the Habsburg administration of the Kingdom of Naples (1707-1734) as well as of Lombardy during most of the 18th century (1714-1797) was decisive for the continuation of those interchanges, which ended however, when the Italian movement of unification began to create a totally new situation.Humanism, baroque and enlightenment, three currents which are amply discussed in the present volume, could more easily expand from Italy to Austria because of the before described dynastical connections and they established themselves still deeper because of the immigration or the long stays of Italian authors in the cultural centers of the Austrian monarchy, first of all of course in Vienna. Not surprisingly however, we possess so far only an inadequate and unsystematic documentation of the activities and literary productions of the great majority of those authors: As is well known, the 19th century created a nationalistic base for literary studies, a view which still for a long time influenced the 20th century for a long time. The Italian authors working and publishing in Austria did so in their own language, but in a foreign country and for a foreign sovereign. For this reason they obtained practically no attention in Austrian literary studies, because there works were not composed in the national language, and their appearance in Italian studies is all but nonexistent because they made no direct contribution to the national literary tradition.

Die italienische Literatur außerhalb Italiens erlangt in der Literaturwissenschaft des ausgehenden 20. Jahrhunderts zunehmend ihre verdiente Aufmerksamkeit, sobald nämlich die soziokulturelle Analyse der verschiedenen Formen des äußeren und inneren Postkolonialismus an Bedeutung gewinnt. Imperialismus und Nationalismus werden in gleicher Weise für die kulturelle Entfremdung der außerhalb, aber auch innerhalb der nationalen Grenzen liegenden Gebiete verantwortlich gemacht und als ideologische Konstrukte entlarvt. Die in Bezug auf Produktion von italienischer Literatur außerhalb Italiens vermutlich herausragende Region, nämlich Österreich bzw. die Länder der Habsburgermonarchie, welche über beinahe 500 Jahre vom Frühhumanismus bis zum Ersten Weltkrieg quantitativ und qualitativ die reichhaltigste Tradition aufweist, wird von der Forschung allerdings immer noch unzureichend gewürdigt. Diese Lücke soll durch den vorliegenden ersten Teil einer umfassenden Geschichte der italienischen Literatur in Österreich geschlossen werden. Immerhin wird die außergewöhnliche Position des Wiener Hofes, der das Italienische zumindest von der Mitte 17. bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts als offizielle Sprache der Repräsentation nach außen und nach innen als familiäre Sprache der kulturellen Kommunikation verwendet, inzwischen uneingeschränkt anerkannt.Zu den wichtigsten Grundlagen des vielfältigen Kulturtransfers zwischen den österreichischen Ländern und den italienischen Territorien zählen ohne Zweifel die zahlreichen dynastischen Verbindungen zwischen den Habsburgern und den Herrscherfamilien Italiens. Die dynastisch motivierten Eheschließungen bedingen intensive kulturelle Beziehungen und ökonomische Verflechtungen zwischen den jeweiligen Staaten Österreichs und Italiens, aber auch die fallweise daraus resultierenden Verwicklungen in territoriale Konflikte sowie militärische Bündnisse, welche nicht immer zur gegenseitigen Sympathie beitragen. Die aus den wechselseitigen wirtschaftlichen und dynastischen Beziehungen resultierenden politischen Interventionen der Habsburger in Italien erleben zunächst in der Frühen Neuzeit - vor allem unter Karl V. und Ferdinand I. - ihren Höhepunkt, während sich die administrative Präsenz im Königreich Neapel 1707-34 und in der Lombardei beinahe während des gesamten 18. Jahrhunderts (1714-97) als markant für die beiderseitigen Beeinflussungen herausstellt, bevor die italienische Einheitsbewegung des 19. Jahrhunderts völlig neue Voraussetzungen schafft.Die geistigen Strömungen des Humanismus, des Barock und der Aufklärung, welche in diesem Band ihre gebührende Würdigung finden sollen, werden in ihrem Vordringen aus den italienischen Gebieten nach Österreich durch die genannten dynastischen Beziehungen maßgeblich gefördert und verwurzeln sich nachhaltig durch die Zuwanderung bzw. die zum Teil sehr langen Schaffensperioden italienischer Autoren in den österreichischen Kulturzentren, allen voran Wien. Deren Aktivitäten in den habsburgischen Gebieten sind in der Forschung bisher nur unzulänglich und unsystematisch dokumentiert, weil ihre Produktion in einem fremden Land für fremde Herrscher mit den im 19. Jahrhundert entworfenen Visionen von einer Nationalliteratur unvereinbar sind. Sie finden in der österreichischen Literatur keine Berücksichtigung, weil die Werke nicht in der Landessprache abgefasst sind, und sie tauchen kaum in den italienischen Darstellungen auf, weil sie keinen Beitrag zur nationalen Tradition leisten.

Im Dienste einer Staatsidee

Authors:
ISBN: 9783205789277 Year: Pages: 250 Seiten Language: de
Publisher: Böhlau
Subject: Languages and Literatures --- Music --- History of arts --- History
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Abstract

Until today, the death of Charles VI and Maria Theresia’s ascending the throne 1740 is seen as a major turning point in Austrian history. But now is the question of whether in different “layers” and “rooms” without doubt fundamental change between 1720 and 1780 not differentiated must be seen against the background of the concept of interface (“Sattelzeit”/Reinhart Koselleck). On the basis of the space “Viennese court”, where the change of rulers in its effects most likely can be documented, attempts from the perspective of different disciplines (the so called “Hofkünste” – literature/poetry, arts, theatre/dance, music) point out continuities and discontinuities.

Bis heute wird der Tod Karls VI. und der Regierungsantritt Maria Theresias 1740 als eine einschneidende Zäsur in der österreichischen Geschichte gesehen. Doch nun stellt sich vor dem Hintergrund eines weitergefassten Schnittstellenbegriffes (Reinhart Koselleck) die Frage, ob der zweifellos grundlegende Wandel zwischen 1720 und 1780 nicht differenzierter gesehen werden muss. Ausgehend vom Raum des Wiener Hofes, an dem der Herrscherwechsel in seinen Auswirkungen am ehesten dokumentiert werden kann, wird aus der Sicht sogenannten Hofkünste versucht, Kontinuitäten und Diskontinuitäten aufzuzeigen.

Joseph Lanner

Authors:
ISBN: 9783205787938 Year: Pages: 761 Seiten Language: de
Publisher: Böhlau
Subject: Music
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Abstract

Joseph Lanner (1801-18439 is one of the most important and outstanding composers of dance music in the so called "Biedermeier" (the period after the "Wiener Kongress", 1st half of the 19th century). He invented the form of the Viennese waltz and founded a tradition, which was successfully carried on by the Strauß-family. Although Lanner wrote more than three hundred compositions until now there is no list of works existing, which describes the existing sources. After more than five years of recherché this list of works is now completed. The first part gives an introduction and describes some of the attributes of Lanners compositions. A short biography is followed by chapters about the development of dance in Vienna at the beginning of the 19th century, a list of other dance music composers of that time, an overview of the forms Lanner used in his dances, but also specific themes such as instrumentation, a list of the most important halls where Lanner performed e.g.The second part is the list of works, ordered by works with Opus-number and works without. For every composition the user will find full information's about the instruments which are required in the composition, the existing editions including autographs, copies and music in print (as well as information's in which Viennese libraries these scores are available), information's about first performances and the person to whom the dance was dedicated, and references of newspapers or books in which the work is mentioned.At the beginning there are the incipients printed (for Ländler and waltz including first and second theme), which allows musicians all over the world to recognize a certain dance by the melody.In the appendices all works are listed once more by alphabetical order, furthermore you will find a list of all persons to whom a dance was dedicated and a short list of works of Lanners son, August.This list of works of the compositions of Lanner fulfils all criteria a modern list of works requires.

Joseph Lanner (1801-1843) zählt zu den bedeutendsten Tanzmusikkomponisten des Biedermeiers, er gilt als der Vater des "Wiener Walzers", damit schuf er eine Tradition, auf der vor allem die Strauß-Söhne aufbauen konnten. Obwohl Lanner weit über dreihundert Kompositionen schuf, existiert bis heute kein wissenschaftliches Werkverzeichnis, welches seine zahlreichen Tänze und Bearbeitungen auflistet und mit den Mittel quellenkritischer Forschung dem Benutzer aufbereitet. Diese Lücke konnte - nach über fünfjähriger Recherchetätigkeit - mit dem vorliegenden Werk geschlossen werden. Im ersten Teil wird eine ausführliche Einleitung in die besonderen Eigenheiten der Lannerschen Kompositionen geboten. Nach einem kurz gehaltenen biographischen Überblick folgen wichtige fachspezifische Erläuterungen zu den Themen "Entwicklung des Gesellschaftstanzes in Wien", ein Überblick über die zeitgleich mit Lanner wirkenden Tanzkomponisten, eine Besprechung der von Lanner verwendeten Tanzformen, aber auch Auflistungen der wichtigsten Tanzlokale, in denen Lanner wirkte, diese werden ergänzt durch praktische Hinweise zu den Instrumenten, die Lanner verwendete, zu seinen Konzertauftritten, aber auch zu musikästhetischen Fragestellungen, welche sich in Zusammenhang mit seinem umfangreichen Oeuvre ergeben. Es folgt - in zwei Teilen - das eigentliche Werkverzeichnis. Im ersten Teil werden die gedruckten Werke mit Opuszahl, im zweiten alle weiteren Werke beschrieben. Neben den unerlässlichen Quellenhinweisen zu den vorhandenen Materialien inklusive Bibliothekssignaturen der Wiener Musiksammlungen werden alle historischen Ausgaben - vom Autograph bis zu den mannigfachen Bearbeitungen - mit Datums- und Titelangabe angeführt, hinzu kommen Datierungen der Entstehung und der ersten Aufführungen. Literaturangaben (auch der wichtigsten Wiener Zeitungen) beschließen die einzelnen Werkauflistungen. Jedes Werk ist zudem über Incipits auch dem Musiker, welcher bestimmte Themen und Melodien sucht, erschlossen. Für alle Tänze und Bearbeitungen werden die relevanten Notenincipits am Beginn angegeben. Eine genaue Besetzungsliste der verwendeten Instrumente erlaubt Dirigenten und Tanzmusikorchestern einen raschen Überblick über die Erfordernisse einer Aufführung. Der Anhang bietet neben einer alphabetischen Auflistung aller Werke weitere praktische Informationen, u.a. eine Liste aller Widmungsträger sowie in Kurzform eine Auflistung der Werke von Joseph Lanners Sohn, August. Alle für den Leser erforderlichen Erläuterungen zur Benutzung (inklusive Abkürzungen etc.) sind vorhanden, so dass das vorliegende Werkverzeichnis alle seitens der Musikwissenschaft geforderten Kriterien erfüllt.

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